Todos conocemos la expresión "𝙨𝙖𝙡𝙞𝙧 𝙙𝙚𝙡 𝙖𝙧𝙢𝙖𝙧𝙞𝙤", pero ¿sabes cuál es su origen y cuándo fue empleada por primera vez en la historia? El primer valiente que la usó fue un alemán del siglo XIX cuya historia merece ser contada...
El origen de esta expresión proviene de la traducción de la frase inglesa "coming out of the closet", de donde se origina el concepto y que a su vez deriva de "to have a skeleton in the closet" (tener un esqueleto en el armario), que significa tener algo vergonzoso u oculto que no se quería hacer público.
Karl Heinrich Ulrichs fue un alemán nacido en 1825 que, desde muy joven, se dio cuenta de que le gustaban los hombres, pero la sociedad en aquel momento no aceptaría esa postura, así que se calló y prosiguió con su vida. Se graduó en la universidad en Historia y Teología, y también realizó estudios de Derecho.
Pero a los 37 años tomó la valiente y difícil decisión de decirle a su familia y amigos que era homosexual. En aquella época esa palabra ni siquiera existía, así que inventó una: "urning", una palabra basada en la mitología griega que creó para designar a lo que él llamaba el tercer sexo, hombres que se sienten atraídos por otros hombres.
Así pues, en 1867, el primer hombre gay de la historia moderna anunciaba públicamente su orientación sexual con la frase "tengo un esqueleto en el armario" y lo hizo nada más y nada menos que en el Congreso de Juristas de Múnich que se celebraba el 29 de agosto de 1867. Desde el estrado pidió a sus colegas que apoyasen una moción para derogar del código penal la ley que criminalizaba las relaciones entre personas del mismo sexo. Sin embargo, fue abucheado y apartado a la fuerza del estrado.
Pero Karl no cejó en su empeño y tres años más tarde publicó un texto legal que fue una revolución, ya que desmontaba la idea que existía en su época de que la homosexualidad estaba asociada al vicio, a la perversión y al pecado, afirmando que realmente era algo totalmente natural y que no debía ser perseguido.
Su revolucionario texto, 157 años después, está plenamente vigente.
A pesar de sus esfuerzos, aún tendrían que pasar décadas para que se legalizase la homosexualidad, castigada en gran parte de Europa hasta pasada la mitad del siglo XX.
Por ello es necesario conocer historias como las de Karl, un valiente que hace 157 años tuvo el coraje para salir a la luz pública y exigir su derecho a ser tratado como los demás.
Nació en Madrid
a los dos días de edad,
pues fue muy laborioso el parto de mi madre
que si se descuida muere por vivirme.
A los tres años ya sabía leer
y a los seis ya sabía mis labores.
Yo era buena y delgada,
alta y algo enferma.
A los nueve años me pilló un carro
y a los catorce me pilló la guerra;
A los quince se murió mi madre, se fue cuando más falta me hacía.
Aprendí a regatear en las tiendas
y a ir a los pueblos por zanahorias.
Por entonces empecé con los amores,
-no digo nombres-,
gracias a eso, pude sobrellevar
mi juventud de barrio.
Quise ir a la guerra, para pararla,
pero me detuvieron a mitad del camino.
Luego me salió una oficina,
donde trabajo como si fuera tonta,
-pero Dios y el botones saben que no lo soy-.
Escribo por las noches
y voy al campo mucho.
Todos los míos han muerto hace años
y estoy más sola que yo misma.
He publicado versos en todos los calendarios,
escribo en un periódico de niños,
y quiero comprarme a plazos una flor natural
como las que le dan a Pemán algunas veces.
Gloria Fuentes
Ilustración Maitane Azurmendi
Lili Elbe fue la primera humana confirmada en la historia en ser identificada como transexual y haberse sometido a una cirugía de reasignación de sexo.
Nació como hombre bajo el nombre de Mogens Einar Wegener el 28 de diciembre de 1882 en Vejle, Dinamarca. Mientras asistía a la Real Academia Danesa de Bellas Artes en Copenhague, conoció a Gerda Gottlieb, pintora e ilustradora de origen francés, con quien se casó en 1904. Ambos trabajaron como ilustradores, Einar se especializó en pinturas de paisajes, mientras que Gerda trabajó para revistas de moda y creó libros ilustrados. La pareja viajó por toda Europa desde Italia hasta Francia, estableciéndose finalmente en París en 1912. En la capital francesa, Einar pudo finalmente vivir abiertamente como mujer al lado de su esposa Gerda quien alcanzó un éxito considerable al exhibir sus obras en museos y salones y colaborar con revistas como Vogue, La Vie Parisienne y otras. Ella fue apoyada en su trabajo por Einar, un artista que era considerado por muchos como muy talentoso, pero que sacrificó su carrera para ayudar a su esposa, asumiendo el papel de su modelo favorita vistiendo ropa de mujer bajo el nombre de Lili Elbe.
Un día, Gerda le pidió a su marido que se pusiera medias y tacones para retratar las piernas en ausencia de modelo: él informó que los encontraba increíblemente cómodos. En 1913, el público desprevenido se sorprendió al descubrir que el modelo que había inspirado a las bellas y elegantes mujeres de las obras de Gerda era su marido. En la década de 1920, Einar se presentaba regularmente como Lili Elbe en todas las fiestas y eventos públicos, pero solo Gerda y algunos amigos de confianza sabían de su transexualidad, presentándola como la hermana de Einar. En 1930, Lili viajó a Alemania para someterse a una cirugía de transición sexual, en ese momento todavía experimental. Se sometió a una serie de cinco operaciones en dos años, bajo la supervisión del sexólogo alemán Magnus Hirschfeld (uno de los fundadores del movimiento de liberación homosexual): el caso del cambio de sexo causó mucha sensación en la prensa danesa y alemana, tanto que el entonces rey de Dinamarca, Christian X, invalidó su matrimonio con Gerda.
Lili obtuvo el reconocimiento legal del nuevo sexo y un cambio de nombre. Tras la transición dejó de pintar alegando que era algo que pertenecía a Einar. Murió en Dresde el 13 de septiembre de 1931, debido a otras complicaciones tres meses después de su última operación, probablemente por rechazo tras el implante de útero que debería haberle permitido tener hijos. Gerda se volvió a casar con un militar italiano y se trasladó a Marruecos, donde vivió varios años y tras el divorcio regresó a Dinamarca, donde murió en 1940 durante la ocupación nazi. En 2001, el escritor David Ebershoff publicó la novela "La chica danesa", que fue llevada al cine en 2015: La chica danesa.
Vino a la puerta una noche mojado flaco golpeado y aterrado un gato blanco bizco sin cola, lo entré y alimenté y se quedó, empezó a confiar en mí hasta que un amigo subió por mi calle y lo atropelló. Llevé lo que quedó a un veterinario que dijo, “no mucho por hacer… dele estas píldoras… su columna está destrozada, pero estuvo destrozado antes y de algún modo se arregló, si vive nunca caminará, mire estos rayos X, ha sido disparado, mire aquí, los perdigones están aún ahí… también, una vez tuvo cola, alguien se la cortó…”
Me llevé al gato, era un verano caliente, uno de los más calientes en décadas, lo puse en el suelo del baño, le di agua y píldoras, no comió, no tocó el agua, yo sumergía mi dedo y mojaba su boca y le hablaba, no me movía.
De casa, pasé un montón de tiempo en el baño y hablé con él y lo acaricié suavemente y el me devolvía la mirada con esos ojos bizcos azul pálido y cuando los días pasaron hizo su primer movimiento arrastrándose con sus patas delanteras (las de atrás no funcionarían) lo hizo hasta su cama trepó y se dejó caer, fue como el canto de una posible victoria celebrando en ese baño y en la ciudad, yo le conté a ese gato --yo lo había pasado mal, no así de mal pero bastante mal…
Una mañana se levantó, se paró, se cayó y sólo me miró.
“Tú puedes,” le dije.
Siguió intentando, levantándose y cayendo, finalmente caminó algunos pasos, estaba como un borracho, las patas traseras no querían hacerlo y volvió a caer, descansó, luego se levantó.
Ya sabéis el resto: ahora está mejor que nunca, bizco, casi sin dientes, pero la elegancia regresó, y esa mirada en sus ojos nunca se fue…
y ahora a veces soy entrevistado, quieren escuchar acerca de la vida y de literatura y yo me emborracho y sostengo a mi bizco, disparado, atropellado y desrabado gato y digo, “¡miren, miren esto!”
Pero ellos no entienden, ellos dicen algo como, “¿usted dice que ha sido influenciado por Céline?” “no,” yo sostengo al gato, “¡por lo que pasa, por cosas como esto, por esto, por esto!"
Sacudo al gato, lo sostengo en la luz con humo y alcoholizada, está relajado, él sabe…
Es entonces cuando las entrevistas terminan aunque estoy orgulloso a veces cuando veo las imágenes más tarde y ahí estoy yo y ahí está el gato y somos fotografiados juntos.
Él también sabe que todo son estupideces pero que de algún modo todo ayuda.
-Charles Bukowsky.
El mito de los Centauros: Las criaturas mitad hombre, mitad caballo.
En la mitología griega, los centauros eran criaturas fascinantes y complejas, con la parte superior del cuerpo de un hombre y la parte inferior de un caballo. Estos seres híbridos, que personificaban tanto la naturaleza salvaje como la sabiduría, han dejado una huella imborrable en la literatura y el arte.
Los centauros eran hijos de Ixión, un rey que fue castigado por Zeus, y Néfele, una nube con la apariencia de Hera. La leyenda cuenta que Ixión fue arrojado al Tártaro, y de su unión con Néfele nacieron los centauros, quienes heredaron la naturaleza impulsiva y descontrolada de su padre.
Habitaban principalmente en las montañas de Tesalia y en las selvas, donde vivían en estrecho contacto con la naturaleza. A menudo se les retrataba como seres salvajes y desenfrenados, amantes del vino y las fiestas. Uno de los episodios más conocidos que ilustra su carácter es la batalla contra los lápitas, una tribu griega.
En esta batalla, conocida como la Centauromaquia, los centauros fueron invitados a la boda de Pirítoo, rey de los lápitas, pero durante el festín, su naturaleza salvaje se desató. Borrachos de vino, intentaron secuestrar a las mujeres lápitas, lo que desató una feroz batalla entre ambas razas. Los lápitas, con la ayuda de Teseo, lograron vencer a los centauros y expulsarlos de Tesalia.
Sin embargo, no todos los centauros eran violentos y salvajes. Un famoso centauro, Quirón, era conocido por su sabiduría, justicia y habilidades en la medicina y la enseñanza. A diferencia de sus congéneres, Quirón era civilizado y desempeñó el papel de mentor de muchos héroes griegos, incluidos Aquiles, Asclepio y Heracles. Según el mito, Quirón fue herido accidentalmente por una flecha envenenada de Heracles y, aunque inmortal, sufrió tanto que renunció a su inmortalidad para poder morir y liberar a Prometeo.
El mito de los centauros simboliza la dualidad de la naturaleza humana, representando tanto la brutalidad instintiva como la capacidad de sabiduría y autocontrol. La coexistencia de estas dos facetas en un solo ser refleja los conflictos internos que enfrentamos, luchando entre nuestros impulsos básicos y nuestras aspiraciones más elevadas.
Muchos conocen a este recipiente como garrafa de cristal o botellón con mimbre pero que lo llamemos damajuana es una cosa menos conocida y que tiene todo el sentido del mundo pese a que algunos solo lo consideren leyenda o creencia popular.
Allá por el siglo XVI, en uno de sus viajes, la Reina Juana I de Nápoles tuvo que parar en la localidad francesa de Grasse, en los Alpes, debido a una enorme tormenta que estaba cayendo. Fue a guarecerse de la torrencial lluvia en la casa de un maestro vidriero y, allí, probablemente para matar el tiempo se interesó por el proceso de creación de las botellas y el soplado de estas.
El artesano, viéndose halagado por el interés de la soberana, hizo una botella de enormes proporciones soplando y soplando hasta conseguir algo parecido a lo que hoy conocemos. El resultado y en honor a la monarca, fue llamado Reine Jeanne, pero la reina decidió para restar importancia llamarlo Dame Jeanne.
Existe otra "leyenda" que tiene que ver con marineros borrachos y señoras de peso, pero hoy en día sería considerada sexista y vejatoria así que la obviaremos para no ofender a nadie. Sobre todo, teniendo en cuenta que no está contrastada por los historiadores.
cierto es que la damajuana se convirtió en uno de los recipientes más importantes en esa época para transportar y almacenar líquidos, principalmente, vino. A fin de poder asirlas bien se las forraba de mimbre o esparto lo cual también servía para mantener la bebida a mejor temperatura mojándola con agua fresca de manantial.
Muchas de esas damajuanas eran heredadas por más de una generación y, pequeñas bodegas cuando no tenían más sitio en el interior de esta y la sacaban a la intemperie del exterior y, ciertos vinos se convirtieron en oxidativos a causa del sol del día y la humedad de la noche. Este proceso se le llamó sol y serena y hoy en día se sigue usando en muchos procesos buscados, especialmente para vinos rancios.
Por su tamaño, las damajuanas, eran ideales para los vinos a granel que la gente y hasta no hace mucho se llevaba a casa para su consumo personal. Mas tarde, el plástico se hizo con el mercado y, el granel pasó a embotellado convencional. Pero, hay algunas bodegas, en la actualidad, que aun siguen comercializando su vino en pequeñas damajuanas de 5 litros para ser más sostenibles y abaratar costes. Y aunque no lo creamos, funciona.
Hoy son solo piezas de museo, decoración o artesanía.
Aunque en algunos lugares donde se les conserva se le sigue dando el uso original.
¿Qué significan las imágenes del
Guernica de Picasso?
El "Guernica" de Pablo Picasso es una obra maestra que representa el bombardeo de la ciudad de Guernica durante la Guerra Civil Española.
Aquí te dejo un análisis de algunos de los elementos y figuras principales del cuadro:
1. El Toro: A menudo interpretado como símbolo de brutalidad y oscuridad. También puede representar el nacionalismo español.
2. La Madre con su hijo muerto: Representa el dolor y el sufrimiento de la guerra. Es una de las imágenes más conmovedoras del cuadro.
3. El Soldado Caído: Con una espada rota y una flor creciendo de su mano, simboliza la esperanza y la resistencia pese a la destrucción.
4. El Caballo: En el centro de la composición, representa el sufrimiento del pueblo. Su expresión de agonía es central en la obra.
5. La Mujer con la Lámpara: Sostiene una lámpara que ilumina la escena. Puede simbolizar la búsqueda de la verdad y la esperanza en medio de la oscuridad.
6. La Mujer Gritando: Al lado derecho, con los brazos levantados, simboliza el horror y el pánico.
7. La Paloma: Aunque apenas visible, representa la paz rota por la guerra.
8. Las Llamas: En el fondo, sugieren destrucción y caos.
Cada figura en el "Guernica" está cargada de simbolismo y juntas crean una poderosa denuncia contra la guerra y la violencia.
El 18 de agosto de 1936, fusilaron debajo de un olivo, en Granada a las 4:45 de la madrugada, al gran poeta español Federico García Lorca.
-
Discurso de Federico García Lorca al inaugurar la biblioteca de su pueblo: Fuente de Vaqueros (Granada). Septiembre 1931.
Medio pan y un libro
"Cuando alguien va al teatro, a un concierto o a una fiesta de cualquier índole que sea, si la fiesta es de su agrado, recuerda inmediatamente y lamenta que las personas que él quiere no se encuentren allí. 'Lo que le gustaría esto a mi hermana, a mi padre', piensa, y no goza ya del espectáculo sino a través de una leve melancolía. Ésta es la melancolía que yo siento, no por la gente de mi casa, que sería pequeño y ruin, sino por todas las criaturas que por falta de medios y por desgracia suya no gozan del supremo bien de la belleza que es vida y es bondad y es serenidad y es pasión. Por eso no tengo nunca un libro, porque regalo cuantos compro, que son infinitos, y por eso estoy aquí honrado y contento de inaugurar esta biblioteca del pueblo, la primera seguramente en toda la provincia de Granada.
No sólo de pan vive el hombre. Yo, si tuviera hambre y estuviera desvalido en la calle no pediría un pan; sino que pediría medio pan y un libro. Y yo ataco desde aquí violentamente a los que solamente hablan de reivindicaciones económicas sin nombrar jamás las reivindicaciones culturales que es lo que los pueblos piden a gritos. Bien está que todos los hombres coman, pero que todos los hombres sepan. Que gocen todos los frutos del espíritu humano porque lo contrario es convertirlos en máquinas al servicio de Estado, es convertirlos en esclavos de una terrible organización social.
Yo tengo mucha más lástima de un hombre que quiere saber y no puede, que de un hambriento. Porque un hambriento puede calmar su hambre fácilmente con un pedazo de pan o con unas frutas, pero un hombre que tiene ansia de saber y no tiene medios, sufre una terrible agonía porque son libros, libros, muchos libros los que necesita y ¿dónde están esos libros?
¡Libros! ¡Libros! Hace aquí una palabra mágica que equivale a decir: 'amor, amor', y que debían los pueblos pedir como piden pan o como anhelan la lluvia para sus sementeras. Cuando el insigne escritor ruso Fedor Dostoyevsky, padre de la revolución rusa mucho más que Lenin, estaba prisionero en la Siberia, alejado del mundo, entre cuatro paredes y cercado por desoladas llanuras de nieve infinita; y pedía socorro en carta a su lejana familia, sólo decía: '¡Enviadme libros, libros, muchos libros para que mi alma no muera!'. Tenía frío y no pedía fuego, tenía terrible sed y no pedía agua: pedía libros, es decir, horizontes, es decir, escaleras para subir la cumbre del espíritu y del corazón. Porque la agonía física, biológica, natural, de un cuerpo por hambre, sed o frío, dura poco, muy poco, pero la agonía del alma insatisfecha dura toda la vida.
Ya ha dicho el gran Menéndez Pidal, uno de los sabios más verdaderos de Europa, que el lema de la República debe ser: 'Cultura'. Cultura porque sólo a través de ella se pueden resolver los problemas en que hoy se debate el pueblo lleno de fe, pero falto de luz."
Algunos decían que Paganini era muy raro. Otros que era lo máximo. Las notas que salían de su violín tenían un sonido diferente, por eso nadie quería perder la oportunidad de ver su espectáculo.
Una noche, el público estaba preparado para recibirlo.
La orquesta entró y fue aplaudida. El director fue ovacionado. pero cuando Paganini apareció, el público deliró (aplaudía, gritaba, …).
Paganini coloca su violín en el hombro y lo que sigue es indescriptible, sorprendente, …
Blancas, negras, corcheas,…las notas parecen tener alas y volar con el toque de aquellos dedos.
¡DE REPENTE, un sonido extraño interrumpe el ensueño…
¡Una de las cuerdas del violín de Paganini se rompe!
El director de la orquesta paró. La orquesta paró de tocar. El público paró.
¡Pero Paganini no paró. Mirando su partitura, él continuó sacando sonidos deliciosas de su violín sin problemas. El director y la orquesta, admirados, vuelven a tocar.
El público se calmó, cuando DE REPENTE, otro sonido extraño…
¡Otra cuerda del violín de Paganini se rompe!
El director paró de nuevo. La orquesta paró también.
¡Paganini no paró. Como si nada hubiera ocurrido, olvidó las dificultades y siguió arrancando sonidos imposibles de su violín.
El director y la orquesta, impresionados, vuelven a tocar.
Pero el público no podía imaginar lo que iba a ocurrir a continuación.
Todas las personas, asombradas, gritaron un OHHHH! Que retumbó por toda la sala.
Una tercera cuerda del violín de Paganini se rompió. El director para. La orquesta para.
La respiración de público para.
¡Pero Paganini NO para!
Como si fuera un contorsionista musical, arranca todos los sonidos posibles de la única cuerda que sobra de aquel violín destruido. Ninguna nota fue olvidada.
El director, asombrado, se anima. La orquesta también. El público pasa del silencio a la euforia (grita, aplaude, se pone de pie, llora,…Paganini alcanza la Gloria, triunfa, …
Ninguna nota fue olvidada en la imposible ejecución. Paganini había entrado en la gloria. Su nombre perdura inmutable a través de los siglos. No era sólo un violinista genial, es un símbolo que continúa adelante aún cuando todo parece imposible y en medio de las condiciones más adversas.
Paganini es el símbolo del que continúa adelante aún ante la imposible. El universo depositó en nuestras vidas dones y talentos maravillosos que necesitan salir a la luz aunque todo parezca derrumbarse. Sigamos adelante, despertemos como Paganini los dones y talentos que el universo nos dio. La victoria es el arte de perseverar cuando todos han resuelto parar.
Y bueno eso de que es el violinista del diablo dejémoslo para otra historia.
El Principito es una narración corta del escritor francés Antoine de Saint-Exupéry. La historia se centra en un pequeño príncipe que realiza una travesía por el universo. En este viaje descubre la extraña forma en que los adultos ven la vida y comprende el valor del amor y la amistad.
El libro es considerado como uno de los mejores de todos los tiempos y como un clásico contemporáneo de la literatura universal. Debido a su estilo sencillo y directo, se lo ha considerado un libro para niños. No obstante, su carácter reflexivo sobre la vida, la sociedad y el amor, lo convierten en una narración de interés para todos.
Fue publicado en abril de 1943 en Estados Unidos, puesto que, debido a la Segunda Guerra Mundial, la obra no pudo ser impresa en Francia. El libro ha sido traducido a decenas de lenguas y adaptado a diversos formatos, como el teatro, cine, serie animada, ballet y ópera.
La vida de Isabella Boyer es como una novela emocionante.
Nació en París, hija de un chef pastelero africano y una madre inglesa. Isabella poseía una belleza especial y, a los 20 años, se casó con Isaac Singer, el fabricante de máquinas de coser, quien tenía 50 años.
Tras la muerte de Singer, Isabella se convirtió en la mujer más rica del país. No es de extrañar que fuera elegida como modelo para la Estatua de la Libertad, pues encarnaba el sueño americano.
Viuda, Isabella viajó por el mundo y se casó con el violinista holandés Victor Robstett, convirtiéndose en condesa.
Se convirtió en una figura prominente en América y Europa, y conoció al escultor francés Frédéric Bartholdi en un evento mundial.
Bartholdi, impresionado por su belleza y su historia, usó su rostro como modelo para la Estatua de la Libertad.
Isabella se casó una tercera vez y murió en París en 1904 a los 62 años, pero su rostro perdura en la icónica estatua en Nueva York, simbolizando la libertad y el orgullo estadounidense.
Mucha gente en todo el mundo, incluidas personas de clase élite que han viajado mucho, a menudo confunden Inglaterra, el Reino Unido, Bretaña y Gran Bretaña.
AQUÍ TIENES LA FORMA DE DIFERENCIARLOS:
Gran Bretaña es un conjunto de 3 países que se unieron como un solo país y tiene su capital en Londres. Esos 3 países son:
1. Inglaterra,
2. Escocia
3. Gales.
Cuando incluyes Irlanda del Norte a estos 3 países, se convierten en Reino Unido (unión de cuatro naciones), a saber:
1. Inglaterra,
2. Escocia,
3. Gales
4. Irlanda del Norte.
Por eso se le conoce como Reino Unido de Gran Bretaña e Irlanda del Norte.
En conjunto, los cuatro se consideran un solo país. Y cuando este es el caso, Londres es su capital.
Sin embargo, tengan en cuenta que estas cuatro naciones individuales tienen sus respectivas capitales.
En consecuencia, la capital de
Escocia es Edimburgo,
Gales es Cardiff;
Irlanda del Norte es Belfast.
Inglaterra es Londres.
Irlanda del Norte no debe confundirse con la República de Irlanda. Este último es un país independiente y su capital es Dublín.
Via Gente Que Lee
Cuando el sultán Scharir descubrió que su mujer le era infiel con uno de sus sirvientes ordenó degollarla a ella y a todos sus esclavos. Acto seguido por despecho, mandó a su visir que cada noche se le entregara una joven virgen, que sería degollada a la mañana siguiente por orden suya, los hombres del reino empezaron a huir con las hijas que les quedaban.
Una tarde como de costumbre, el sultán ordenó a su visir que le trajera otra joven, pero el visir por más que buscó no encontró ninguna. Regresó a su casa afligido temiendo ser el mismo degollado sí no cumplía las órdenes del sultán, así que la hija mayor del visir, Sherezade, al ver a su padre tan preocupado le pidió que la llevara ante el sultán.
La bella Sherezade había leído todos los libros y leyendas y poseía el don de encandilar con su voz y sus gestos, pero también tenía un plan para salvarse ella y todas las jóvenes del reino. Y así la noche que Sherezade estuvo con el sultán, esta le pidió como último deseo narrarle un cuento a su hermana Dunyazad, que se encontraba muy triste por ser la última noche que pasaría con ella. Pero Sherezade antes del alba interrumpió el relato y le pidió al sultán continuar con la narración al día siguiente, pues se encontraba muy cansada. El sultán acepto, ya que le había subyugado tanto el relato que deseaba oír el final y le concedió algunas noches más. Con esta argucia Sherezade logró intercambiar una noche de su vida por un cuento, hasta completar mil y una noches. Así pasaron mil y una noches de relatos, donde nacieron historias como: "Aladino", "Simbad el marino", "Alí Babá y los cuarenta ladrones" y "El ladrón de Bagdad" entre otras.
Cuando llegó la noche mil y una, Sherezade le pidió al sultán que le perdonara la vida, cuentan que el sultán lo hizo, ya que en esas mil y una noches había quedado prendado de los encantos y la elocuencia de Sherezade, se dice que el sultán se casó con Sherezade y vivió con ella hasta el final de sus días.
Desde entonces la tradición nos habla de que Sherezade es la narradora principal de los relatos árabes titulados: "Cuentos de las mil y una noches".
El Club de lectura
Jorge Luis Borges
Cuento de Juan Rulfo, se relata la penosa travesía de un padre que, durante la noche, carga a su hijo Ignacio, gravemente herido, en busca de un pueblo llamado Tonaya donde esperan encontrar ayuda. A lo largo del camino, el padre dialoga con su hijo, instándolo a escuchar y a buscar señales que indiquen la cercanía del pueblo. Mientras avanzan, se entretejen los recuerdos y los reproches, dibujando un profundo retrato de su relación y revelando las tensiones y el amor que subyacen en su vínculo. La obra explora temas como la esperanza, el sacrificio y la complejidad de las relaciones paternofiliales.
Lee el cuento completo en Lecturia:
Es un relato fascinante de explotación artística, engaño y eventual reivindicación que cautivó al público e inspiró la película de Tim Burton de 2014, "Big Eyes". El estilo distintivo de Margaret, caracterizado por retratos de sujetos con ojos inusualmente grandes y expresivos, se convirtió en un fenómeno cultural en los años 60. Sin embargo, la verdadera artista detrás de estas obras permaneció oculta durante años debido a las afirmaciones fraudulentas de su esposo Walter Keane.
El viaje de Margaret comenzó de manera inocente. Se casó con Walter Keane en 1955, creyendo que era un compañero artista que admiraba y apoyaba su trabajo. Walter, un vendedor carismático, reconoció el potencial comercial del estilo único de Margaret y comenzó a vender sus pinturas. Sin embargo, sin que Margaret lo supiera, empezó a atribuirse el mérito de las obras.
A medida que la popularidad de las pinturas de "ojos grandes" crecía, el engaño de Walter se profundizaba. Se convirtió en una celebridad en el mundo del arte, apareciendo en programas de entrevistas y revistas, siempre atribuyéndose el mérito de las creaciones de Margaret. Mientras tanto, Margaret continuaba pintando en relativa oscuridad, creyendo que permitir que Walter se llevara el crédito era necesario para su éxito financiero.
La situación se complicó aún más por el comportamiento emocionalmente abusivo de Walter. Manipuló a Margaret para que guardara silencio, convenciéndola de que revelar la verdad los arruinaría a ambos. Este control psicológico, junto con las expectativas sociales de la época que a menudo menospreciaban los logros de las mujeres, impidió que Margaret hablara durante años.
Sin embargo, el peso de la mentira y el deseo de reconocimiento de su propio talento eventualmente se volvieron demasiado para Margaret. En 1970, tomó la valiente decisión de reclamar públicamente la autoría de su trabajo. Esta revelación conmocionó al mundo del arte y llevó a una amarga batalla legal con Walter, quien negó vehementemente sus afirmaciones.
La demanda por difamación que siguió se convirtió en una de las más inusuales en la historia del arte. Para probar su caso, Margaret propuso una competencia de pintura en la sala del tribunal. Produjo confiadamente una pintura en su estilo característico ante los ojos de los jurados, mientras que Walter se negó a pintar, alegando un dolor en el hombro. Esta dramática demostración, junto con otras pruebas, convenció al jurado de la veracidad de Margaret.
El tribunal falló a favor de Margaret, otorgándole $4 millones en daños y perjuicios. Este veredicto no fue solo una victoria personal para Margaret, sino también un momento significativo en el reconocimiento de las mujeres artistas que a menudo habían sido opacadas o explotadas a lo largo de la historia del arte.
Desafortunadamente, la victoria legal de Margaret no se tradujo en compensación financiera. Walter Keane, que había vivido lujosamente de los ingresos del trabajo de Margaret durante años, había dilapidado toda la fortuna. A pesar de este revés, Margaret encontró consuelo en finalmente recibir el crédito por su arte y en la libertad de crear abiertamente bajo su propio nombre.
La historia de Margaret Keane resuena más allá del mundo del arte. Habla de cuestiones de derechos de propiedad intelectual, dinámicas de género en campos creativos y el impacto psicológico del engaño a largo plazo. Su experiencia destaca los desafíos que enfrentan las mujeres artistas para obtener reconocimiento y la importancia de defender el propio trabajo y la identidad.
En los años siguientes al juicio, Margaret continuó pintando y ganó un nuevo nivel de respeto en la comunidad artística. La película "Big Eyes" llevó su historia a un público más amplio, despertando un renovado interés en su trabajo y vida. Hoy, Margaret Keane es reconocida no solo por su distintivo estilo artístico, sino también por su perseverancia en reclamar su identidad y legado como artista.
Pincha este enlace para ver la peli
Hace unos días vino un operario a nuestra casa para arreglarnos un grifo que se había estropeado. Cuando ya se iba, se quedó mirándonos a José y a mí de una forma extraña. Finalmente venció su timidez y nos preguntó si éramos pareja. José, siempre en garde!, le respondió: Pareja no, somos matrimonio. El hombre se aflojó repentinamente y sacando fuerza de donde no parecía haberla nos contó lo que le preocupaba. "Perdonad, pero es que tengo un hijo de 21 años. Es un chaval muy dulce, cariñosísimo. Mi mujer y yo supimos muy pronto que era homosexual. Jamás supuso un problema para nosotros... hasta que el problema vino de fuera. Tuvimos que marchamos de X, un pueblo muy pequeño, porque en el colegio, y fuera de él, los niños, y los no tan niños, le hacían la vida imposible. Cuando llegamos a X, una ciudad algo más grande, el acoso se repitió con furia adolescente. Y cuando se fue a X, capital de la provincia, para estudiar la carrera, la cosa no mejoró. Mi hijo... el hombre hace cuanto puede por seguir hablando, ha intentado suicidarse dos veces. ¿Qué podemos hacer? Nos pregunta desesperado. Yo soy un hombre fuerte, dice llorando, y quisiera traspasarle esa fortaleza a mi hijo para que pudiera ponerse frente al mundo y decir sin miedo: este soy yo... Pero cómo se hace eso... Cómo...
El hombre fuerte se partió por la mitad y no pudo volver a articular palabra.
Un año más volvemos a escuchar los comentarios zafios, a ver carteles vergonzosos, la negación a poner una bandera que significa inclusión, diversidad, respeto y lucha, amenazas de boicoteo de la celebración del Orgullo... indicios visibles que no son más que la punta del iceberg de los intentos por paralizar el avance en la lucha por los derechos, el retroceso en los ya adquiridos, de las agresiones, de la resistencia para educar en la igualdad...
Sobran las razones
¡ORGULLO!
De tanto perder aprendí a ganar; de tanto llorar se me dibujó la sonrisa que tengo.
Conozco tanto el suelo que sólo miro el cielo. Toqué tantas veces fondo que, cada vez que bajo, ya sé que mañana subiré.
Me asombro tanto como es el ser humano, que aprendí a ser yo mismo.
Tuve que sentir la soledad para aprender a estar conmigo mismo y saber que soy buena compañía.
Intenté ayudar tantas veces a los demás, que aprendí a que me pidieran ayuda.
Traté siempre que todo fuese perfecto y comprendí que realmente todo es tan imperfecto como debe ser (incluyéndome).
Hago sólo lo que debo, de la mejor forma que puedo y los demás que hagan lo que quieran.
Vi tantos perros correr sin sentido, que aprendí a ser tortuga y apreciar el recorrido.
Aprendí que en esta vida nada es seguro, sólo la muerte … por eso disfruto el momento y lo que tengo.
Aprendí que nadie me pertenece, y aprendí que estarán conmigo el tiempo que quieran y deban estar, y quien realmente está interesado en mí me lo hará saber a cada momento y contra lo que sea.
Que la verdadera amistad si existe, pero no es fácil encontrarla.
Que quien te ama te lo demostrará siempre sin necesidad de que se lo pidas.
Que ser fiel no es una obligación sino un verdadero placer cuando el amor es el dueño de ti.
Eso es vivir. ... La vida es bella con su ir y venir, con sus sabores y sinsabores…
Aprendí a vivir y disfrutar cada detalle, aprendí de los errores pero no vivo pensando en ellos, pues siempre suelen ser un recuerdo amargo que te impide seguir adelante, pues, hay errores irremediables.
Camina de la mano de Dios, todo mejora siempre.
Y no te esfuerces demasiado que las mejores cosas de la vida suceden cuando menos te las esperas. No las busques, ellas te buscan.
Lo mejor está por venir...
carta que Frida Kahlo escribió a su marido Diego Rivera, antes de amputarle el pie, es considerada una de las cartas más famosas de separación entre celebridades, que contiene sentimientos verdaderos opuestos entre el amor, el odio y la ira.
——-
México, 1953
Sr. mío Don Diego:
Escribo esto desde el cuarto de un hospital y en la antesala del quirófano. Intentan apresurame pero yo estoy resuelta a terminar ésta carta, no quiero dejar nada a medias y menos ahora que sé lo que planean, quieren herirme el orgullo cortándome una pata… Cuando me dijeron que habrían de amputarme la pierna no me afectó como todos creían, NO, yo ya era una mujer incompleta cuando le perdí, otra vez, por enésima vez quizás y aún así sobreviví.
No me aterra el dolor y lo sabes, es casi una condición inmanente a mi ser, aunque sí te confieso que sufrí, y sufrí mucho, la vez, todas las veces que me pusiste el cuerno…nó sólo con mi hermana sino con otras tantas mujeres…¿Cómo cayeron en tus enredos? Tú piensas que me encabroné por lo de Cristina pero hoy he de confesarte que no fue por ella, fue por ti y por mi, primero por mi porque nunca he podido entender ¿qué buscabas, qué buscas, qué te dan y qué te dieron ellas que yo no te di? Por que no nos hagamos pendejos Diego, yo todo lo humanamente posible te lo di y lo sabemos, ahora bien, cómo carajos le haces para conquistar a tanta mujer si estás tan feo hijo de la chingada…
Bueno el motivo de esta carta no es para reprocharte más de lo que ya nos hemos reprochado en esta y quién sabe cuántas pinches vidas más, es sólo que van a cortarme una pierna (al fin se salió con la suya la condenada)… Te dije que yo ya me hacía incompleta de tiempo atrás, pero ¿qué puta necesidad de que la gente lo supiera? Y ahora ya ves, mi fragmentación estará a la vista de todos, de ti… Por eso antes que te vayan con el chisme te lo digo yo “personalmente”, disculpa que no me pare en tu casa para decírtelo de frente pero en éstas instancias y condiciones ya no me han dejado salir de la habitación ni para ir al baño. No pretendo causarte lástima, a ti ni a nadie, tampoco quiero que te sientas culpable de nada, te escribo para decirte que te libero de mí, vamos, te “amputo” de mi, sé feliz y no me busques jamás. No quiero volver a saber de ti ni que tú sepas de mí, si de algo quiero tener el gusto antes de morir es de no volver a ver tu horrible y bastarda cara de malnacido rondar por mi jardín.
Es todo, ya puedo ir tranquila a que me mochen en paz.
Se despide quien le ama con vehemente locura, Su Frida.
Hago versos señores, hago versos,
pero no me gusta que me llamen poetisa,
me gusta el vino como a los albañiles
y tengo una asistenta que habla sola.
Este mundo resulta divertido,
pasan cosas señores que no expongo,
se dan casos, aunque nunca se dan casas
a los pobres que no pueden dar traspaso.
Sigue habiendo solteras con su perro,
sigue habiendo casados con querida,
a los déspotas duros nadie les dice nada,
y leemos que hay muertos y pasamos la hoja,
y nos pisan el cuello y nadie se levanta,
y nos odia la gente y decimos: ¡la vida!
Esto pasa señores y yo debo decirlo.
Gloria Fuertes |
Paul Gauguin era un artista oscuro y relativamente desconocido cuando murió en la Polinesia Francesa a los 54 años, en esta fecha en 1903. Hoy en día es considerado como uno de los gigantes del arte moderno y en esas raras ocasiones en las que sus pinturas salen al mercado, alcanzan cifras de cientos de millones de dólares.
Es por sus pinturas influenciadas por Polinesia que Gauguin es mejor recordado. Pero su camino hacia la Polinesia y su estilo de vida allí le han dejado una reputación controvertida. Se le recuerda como un genio artístico brillante e innovador, pero también, en palabras de un crítico, como un "monstruoso depredador sexual". En palabras de otro crítico, sus pinturas "reflejan una fantasía sexual y racial forjada desde una posición de poder patriarcal y colonialista".
Por un lado, la evidencia sobre la cual juzgar a Gauguin parece bastante clara. Abandonó a su esposa e hijos y se mudó a la Polinesia, donde tuvo hijos con tres niñas de tan solo trece años. Los defensores de Gauguin responden que si bien ciertamente no era un modelo moral (los artistas/escritores/músicos famosos rara vez lo son), su conducta no era tan "monstruosa" como parece a nuestras sensibilidades del siglo XXI y debe entenderse en el contexto de la época y la cultura en la que vivió. La disputa probablemente nunca se resolverá.
La esposa de Gauguin, Mette, provenía de una familia danesa de clase media alta, y ni ella ni su familia compartían o apoyaban su sueño de ser un artista profesional. Eventualmente, frustrada por sus repetidos fracasos como empresario y proveedor, Mette dejó a Gauguin en París, llevándose a sus cinco hijos y regresando a su familia en Copenhague. Después de aproximadamente un año, Gauguin se unió a ellos allí e intentó nuevamente establecerse en los negocios, pero nuevamente fracasó, para la vergüenza y desaprobación de Mette y su familia. Sintiéndose sofocado y ardiendo con el deseo de pintar, Gauguin regresó a París para intentar triunfar como artista. Mette no se alegró de verlo partir y, de hecho, su familia estaba bastante complacida. Gauguin llevó a su hijo mayor, Clovis, con él a París, pero la familia de Mette pronto envió al niño a un internado. En ese momento, Gauguin dejó París para encontrar un lugar más barato para vivir y rara vez volvió a ver a su familia después de eso.
Theo van Gogh pagó a Gauguin para que viviera con el brillante pero errático hermano de Theo, Vincent, con la esperanza de que la compañía de otro artista fuera beneficiosa y tranquilizadora. Los dos pintores se tenían gran respeto mutuo, crearon algunas grandes obras de arte durante su tiempo como compañeros de casa y compartieron los mismos intereses (principalmente arte, alcohol y prostitutas). Pero Gauguin encontró repugnante la mala higiene y el estilo de vida descuidado de Vincent, y había una tensión subyacente en la relación. La situación volátil llegó a su punto máximo en diciembre de 1888 cuando, unos días después de arrojarle un vaso de absenta, Van Gogh amenazó a Gauguin con una navaja de afeitar y luego regresó a casa y se cortó la oreja. Gauguin se mudó.
Gauguin pasó gran parte de su vida en la Polinesia, donde creó algunas de sus obras de arte más interesantes e influyentes. Tomó al menos a tres niñas polinesias (de entre 13 y 15 años) como "vahines" (una especie de concubina), y tuvo hijos con las tres. Tal comportamiento puede no haber sido impactante en Tahití en ese momento, pero continúa empañando su reputación hoy en día. Ciertamente, Gauguin era culpable de adulterio y de una especie de bigamia según los estándares europeos, pero según los estándares tahitianos de la época, no había nada inherentemente inapropiado en su comportamiento ni en el de las niñas. Por escandaloso e inmoral que nos parezca, la cultura tahitiana en ese momento no tenía las normas sexuales europeas y trece, que era la edad legal de consentimiento según la ley francesa en ese momento, era una edad normal para que las niñas se "casaran".
Después de una enfermedad prolongada y dolorosa (probablemente sífilis), Gauguin murió en su casa en Atuona, en las Islas Marquesas, el 8 de mayo de 1903, hace ciento veintiún años hoy, tal vez debido a un ataque al corazón o tal vez a una sobredosis de láudano.
Sea cual sea el juicio final sobre su carácter, Paul Gauguin es ampliamente considerado como uno de los más grandes pintores postimpresionistas. Su estilo innovador y su uso del color han hecho que su obra sea inmensamente popular, y ha tenido una profunda influencia en muchos artistas que le siguieron, especialmente Picasso.
La pintura es un autorretrato de 1890 que se encuentra en el Museo de Orsay en París.
“Si los cuentos no se cuentan dejan de existir las hadas, los dragones, los vampiros, los duendes y los piratas. Y no hay pasajes secretos n...
